إيلا فيتزجيرالد

إيلا فيتزجيرالد

كانت إيلا فيتزجيرالد مغنية جاز أمريكية من أصل أفريقي. تلقى فيتزجيرالد 13 جائزة جرامي ، والميدالية الوطنية للفنون ، والميدالية الرئاسية للحرية.البداياتولدت إيلا جين فيتزجيرالد في 17 أبريل 1917 في نيوبورت نيوز ، فيرجينيا. انتقلت إيلا ووالدتها إلى يونكرز ، نيويورك ، حيث انتقلوا في النهاية مع صديق والدتها ، جوزيف دا سيلفا. بعد ذلك بوقت قصير ، توفي جو بنوبة قلبية ، ثم استقبلت العمة فيرجينيا فرانسيس ، وبدأت إيلا في الغناء لأول مرة في نوفمبر 1934 ، عندما كانت تبلغ من العمر 16 عامًا تقريبًا. تم ملاحظة إيلا من قبل عضو في فرقة تشيك ويب ، الذي أقنع ويب بتوظيف إيلا.من البرعم إلى الإزهارفي عام 1935 ، بدأت إيلا في الغناء مع أوركسترا ويب في قاعة حفلات سافوي في هارلم. سجلت معهم عدة ضربات ، منها ؛ "(إذا لم تتمكن من الغناء) ، فسيتعين عليك تأرجحها" و "الحب والقبلات" ، وهو أول تسجيل لها. في عام 1938 ، في سن ال 21 ، سجلت إيلا نسخة مرحة من قافية الحضانة ، "A-Tisket ، A-Tasket". بعد مليون نسخة ، وصلت النغمة إلى المرتبة الأولى وظلت على قوائم البوب ​​لمدة 17 أسبوعًا. اشتهرت إيلا فجأة في 16 يونيو 1939 ، مات تشيك ويب ، مما جعل إيلا قائد فرقة. تم تغيير اسم المجموعة إلى "إيلا فيتزجيرالد وفرقتها الشهيرة".الزيجاتفي عام 1941 ، تزوج فيتزجيرالد من بيني كورنيغاي. ومع ذلك ، بعد اكتشاف أن لديه سجلًا إجراميًا ، سرعان ما ألغى زواجها. عندما كانت فيتزجيرالد في جولة مع فرقة Dizzy Gillespie في عام 1946 ، التقت ووقعت في حب راي براون. تزوج الزوجان في عام 1947 ، وتبنا في النهاية طفلًا ولد لأخت إيلا غير الشقيقة ، والتي أطلقوا عليها اسم راي براون جونيور.

التحالفاتفي ذلك الوقت ، كان زوجها الجديد يعمل مع المنتج والمدير نورمان جرانز في الجاز في الفيلهارمونيك جولة. أقنع غرانز فيتزجيرالد بالتوقيع معه ؛ كانت بداية علاقة تجارية وصداقة مدى الحياة. انضم فيتزجيرالد إلى أوركسترا تور. عمل فيتزجيرالد مع لويس "ساتشمو" ارمسترونج في عدة مشاريع. من عام 1956 إلى عام 1964 ، سجلت أغلفة * لموسيقى فنانين آخرين ، بما في ذلك كول بورتر وإيرفينغ برلين ورودجرز وهارت وجيرشوينز. مجموعة من تلك الألحان كانت معروفة باسم كتاب الأغاني الأمريكي العظيم.الشاشة الصغيرةبدأ فيتزجيرالد في الظهور في البرامج التلفزيونية المتنوعة. كانت ضيفة على عرض بنج كروسبي, عرض فرانك سيناترا، و عرض الليلةعلى سبيل المثال لا الحصر ، مع مثل هذا الجدول الزمني المزدحم للجولات ، كانت إيلا وراي بعيدين عن المنزل معظم الوقت ، مما وضع ضغطًا على علاقتهما بابنهما. في النهاية تمكنت إيلا وراي جونيور من إصلاح علاقتهما. ومع ذلك ، فإن الجداول الزمنية المزدحمة تضع ضغطًا على زواج الزوجين ، وقد انفصلا في عام 1958. ومع ذلك ، ظلوا أصدقاء طوال الفترة المتبقية من حياتهم.السنوات اللاحقةواصلت فيتزجيرالد العمل بجد كما فعلت في بداية حياتها المهنية ، على الرغم من الآثار السيئة على صحتها. كانت تقدم أحيانًا عرضين في اليوم ، في مدن كانت تفصل بينها مئات الأميال. في عام 1974 ، أمضت أسبوعين في الأداء في نيويورك مع فرانك سيناترا والكونت باسي. فوز داون مجلة Hall of Fame ، وحصلت أيضًا على مرتبة الشرف من مركز كينيدي لمساهماتها المستمرة في الفنون. في سبتمبر 1986 ، خضعت فيتزجيرالد لجراحة مجازة تاجية خماسية. تم تشخيصها أيضًا بمرض السكري ، والذي كان السبب في ضعف بصرها. ومع ذلك ، عادت إلى المسرح وواصلت العمل بجدول زمني شامل. بحلول التسعينيات ، سجلت فيتزجيرالد أكثر من 200 أغنية ، وفي عام 1991 ، قدمت حفلتها الأخيرة في قاعة كارنيجي في نيويورك. كانت تؤدي هناك 26 مرة ، ومع تفاقم مرض السكري ، عانت فيتزجيرالد من مشاكل شديدة في الدورة الدموية ، وكان لابد من بتر ساقيها من أسفل الركبتين. لم تتعاف أبدًا تمامًا من الجراحة ونادراً ما كانت قادرة على إجرائها. أمضت وقتًا في فناء منزلها مع راي جونيور وحفيدتها.يتم إسكات الصوتفي 15 يونيو 1996 ، توفيت إيلا فيتزجيرالد في منزلها في بيفرلي هيلز. تم دفن رفاتها في ضريح Sunset Mission في مقبرة Inglewood Park في إنجليوود ، كاليفورنيا ، وقد حصل فيتزجيرالد على العديد من الجوائز. في عام 1987 ، منحها الرئيس رونالد ريغان الميدالية الوطنية للفنون. كانت واحدة من أكثر لحظاتها قيمة. حذت فرنسا حذوها بعد عدة سنوات ، حيث منحتها جائزة قائد الفنون والآداب ، بينما منحت ييل ودارتماوث والعديد من الجامعات الأخرى درجات الدكتوراه الفخرية.


* الغلاف يعني أن شخصًا آخر قام بتسجيل اللحن سابقًا ، وسجلت فيتزجيرالد نفس النغمة بصوتها وأسلوبها.


إيلا فيتزجيرالد - التاريخ

كانت إيلا فيتزجيرالد أول شخص أسود يفوز بجائزة جرامي

على الرغم من العيش في وقت كانت فيه الموسيقى في أمريكا مقسمة إلى فئتين & # 8212 الموسيقى الشعبية وموسيقى السباق & # 8212 ، تمكنت المغنية الشهيرة ، إيلا فيتزجيرالد ، من أن تصبح أول فنان أسود يفوز بجائزة جرامي.

ولد فيتزجيرالد في 25 أبريل 1917 في ولاية فرجينيا. بسبب الجنوب المعزول عنصريًا بشدة ، انتقلت عائلتها إلى يونكرز ، نيويورك. منذ سن مبكرة ، كان عليها أن تواجه مواقف صعبة للغاية. توفيت والدتها في حادث سيارة وكان زوجها يسيء معاملتها. بدأت هي نفسها في الهروب من المدرسة والأداء في زوايا الشوارع في هارلم مقابل المال.

عندما كانت مراهقة ، كانت موهوبة جدًا في الفنون المسرحية. غنت لزملائها في الفصل وأفراد أسرتها ، وأتيحت لها الفرصة أيضًا للغناء مع جوقة كنيستها حيث تقول إنها تلقت تدريبًا على صوتها وأسلوبها. في عام 1934 ، في سن ال 17 ، قدم فيتزجيرالد عرضًا في مسرح أبولو الشهير في مدينة نيويورك وفاز بجائزة قدرها 25 دولارًا في ليلة الهواة. لسوء الحظ ، بسبب مظهرها السيئ ولباسها ، لم يمنحوها الفرصة للحجز لمدة أسبوع في Apollo ، والذي كان من المفترض أن يكون جزءًا من الجائزة الفائزة.

ومع ذلك ، لم يمنعها هذا وبدأت تلعب العربات في جميع أنحاء مدينة نيويورك. في عام 1938 ، شاركت في كتابة الأغنية الناجحة "A-Tisket، A-Tasket" والتي أدت بها في النهاية إلى الشهرة الوطنية. تم توقيعها لاحقًا على تسجيلات Decca ولاحقًا Verve Records.

في عام 1958 ، بعد أكثر من 20 عامًا من أول عرض لها في مسرح أبولو ، أصبحت إيلا فيتزجيرالد أول أمريكية من أصل أفريقي تفوز بجائزة جرامي. في الواقع ، فازت بجائزتي جرامي في تلك الليلة لأفضل أداء لموسيقى الجاز ، وعازف منفرد لـ & # 8220Ella Fitzgerald Sings the Duke Ellington Songbook & # 8221 وأفضل أداء صوتي للإناث من أجل & # 8220Ella Fitzgerald Sings the Irving Berlin Songbook. & # 8221

على مدار مسيرتها المهنية ، فازت بما مجموعه 14 جرامي وحتى حصلت على جائزة الإنجاز مدى الحياة في عام 1967. للأسف ، توفيت في 15 يونيو 1996 ، عن عمر يناهز 79 عامًا ، لكن أسطورتها تعيش من خلال موسيقاها.


الحياة المبكرة والأسرة

ولدت إيلا جين فيتزجيرالد في 25 أبريل 1917 في نيوبورت نيوز (فيرجينيا ، الولايات المتحدة الأمريكية). نشأت إيلا في فقر - ​​ترك والدها الأسرة ، وتوفيت والدتها مبكرًا في حادث. في المدرسة ، كانت الفتاة اليتيمة الأمريكية الأفريقية تغني عن طيب خاطر ، وتحب الرقص ، ولكن كان من الصعب عليها أن تدرك المواهب الطبيعية بسبب الخجل الفطري. في الواقع ، فضلت فيتزجيرالد أن تحلم بوظيفة راقصة محترفة ، ولكن في عام 1932 ، انهارت حياتها المنزلية مع وفاة والدتها والمعاملة السيئة من زوج والدتها (شادويك ، 2007).

أفضل مقال لك هو نقرة واحدة فقط!

وتجدر الإشارة إلى أن عائلة إيلا التزمت بمبادئ المنهجية ، فكانوا في كثير من الأحيان يحضرون قداس الكنيسة والأحد. درست إيلا الصغيرة الكتاب المقدس منذ الصغر وأحب التراتيل. مثل العديد من المطربين السود في ذلك الوقت ، طورت الفتاة موهبتها الموسيقية الرائعة من خلال غناء الروحانيات والأناجيل.

على الرغم من فقر الأسرة ، إلا أن إيلا نمت طفلة تتمتع بالمرونة وحسن النية. مثل كل الأطفال الأمريكيين من أصل أفريقي في مسكنها ، كانت مولعة بالرقص والأفلام والموسيقى وحتى الرياضة. عندما ماتت والدتها ، انتقلت إيلا إلى خالتها في هارلم. تركت الفتاة المدرسة واختفت في الشوارع. في المساء ، كسبت إيلا فيتزجيرالد أموالاً من الرقص في النوادي. استمر هذا لمدة عامين ، وفي عام 1934 ، غادرت الفتاة المسكينة المنزل.

بداية المهنة

في عام 1934 ، جاءت إيلا إلى نيويورك وسجلت في مسابقة للهواة. كان أدائها في مسرح هارلم الشهير & # 8220Apollo & # 8221 لا مثيل له حقًا ، وأكد النقاد الموسيقيون أنه حقق نجاحًا باهرًا. غنت إيلا أغنيتين بصوت قوي لدرجة أن الجمهور المذهول انفجر في التصفيق. خلال أدائها ، رافقتها أوركسترا بيني كارتر. سرعان ما شاركت إيلا فيتزجيرالد في منافسة أخرى وفازت بها مرة أخرى. كمكافأة ، قامت مع أوركسترا Tiny Brad show طوال الأسبوع. في هذه المسابقة ، جذبت انتباه رئيس فرقة الجاز المتأرجحة Chick Webb ، التي عرضت على الفتاة أن تصبح عازفة منفردة في مجموعته. أصبحت بداية رحلتها الطويلة على المسرح.

في عام 1942 ، ترك فيتزجيرالد المجموعة من أجل ممارسة مهنة منفردة. من خلال توقيع صفقة قياسية مع Decca ، كتبت العديد من الأغاني الشهيرة مع فنانين مثل Ink Spots و Louis Jordan و Delta Rhythm Boys. أثناء ظهور Ella في أفق موسيقى الجاز ، كان الاتجاه الموسيقي الأساسي يتأرجح بخطه اللحن الواضح. عندما تم استبداله تدريجيًا بـ more & # 8220cheeky & # 8221 bebop ، كانت إيلا فيتزجيرالد هي التي قدمت الأشكال الجديدة لارتجال موسيقى الجاز. حتى أنها أطلقت على نفسها اسم "آلة موسيقية أخرى في الأوركسترا".

المهنة الفنية لإيلا فيتزجيرالد

في محاولة لإيجاد طريقها الخاص في موسيقى الجاز ، ذهبت Ella Fitzgerald إلى البحث الإبداعي. في ذلك الوقت ، لم تكن تعتبر مغنية جاز ، لكن فيتزجيرالد كانت نجمة البوب ​​المشهورة والمروج لها. كان طريقها إلى موسيقى الجاز صعبًا للغاية ويستغرق وقتًا طويلاً. كونها قادرة على محاكاة غناء لويس أرمسترونج خلال السنوات الأولى ، ما زالت لا تشعر بنكهة الجاز. جاءت الرغبة في غناء الجاز لها في وقت لاحق. وتجدر الإشارة إلى أن التواصل المتكرر مع أرمسترونج وباسي وإلينجتون والشباب الذين كانوا ، مثل إيلا ، كانوا يبحثون عن طرق جديدة ومبتكرة ، كان له تأثير حاسم على تطورها الفني.

بحلول منتصف الأربعينيات ، أصبحت فيتزجيرالد مغنية أخرى تمامًا لم تعد ترغب في غناء أغنية شخص آخر # 8217s ، وكذلك تقليد ارتجالات أشخاص آخرين # 8217. شعرت إيلا بأنها مستعدة للارتجال بنفسها ، وكان لديها ما تقوله للجمهور. في نهاية الحرب ، بدأ عصر البيبوب. سرعان ما اكتشف العالم نجمًا جديدًا لموسيقى الجاز. إيلا مع غنائها طمس الحدود بين الآلة الموسيقية والصوت ، كانت قادرة على خلق ارتجال صوتي على المقطع (سكات). لقد أتقنت إيلا فيتزجيرالد هذه التقنية ببراعة. كانت ذروة حياتها المهنية في الستينيات. أصبحت نورمان جرانز مديرة فيتزجيرالد واليد الموجه للشركة. لقد ساعدها في إنشاء العلامة الشخصية & # 8211 Verve Records ، والتي أصبحت المفتاح في حياتها. في عام 1952 ، تم إصدار الألبوم المنفرد الذي جلب شهرة غير مسبوقة للمغني. تبع هذا الألبوم إصدار العديد من الألبومات الأخرى. بدأ فيتزجيرالد في الأداء ليس فقط في الولايات المتحدة ، ولكنه ذهب أيضًا في جولة إلى العديد من البلدان. لقد فازت بجميع جوائز غناء الجاز الكبرى مع مثل هذا التكرار لجعل الاهتمام الحقيقي الوحيد في قسم المطربات في أي استطلاع لموسيقى الجاز يكمن في من سيحتل المركز الثاني (روبنسون ، 1961).

كان لدى فيتزجيرالد إحساس لا تشوبه شائبة من الإيقاع والتجويد. حساسيتها للانسجام مذهلة بكل بساطة. كان أحد أكبر المشاريع غير المحققة في مسيرة إيلا فيتزجيرالد هو التعاون مع فرانك سيناترا. لم يسجلوا استوديو مشترك واحد أو ألبوم مباشر. ومع ذلك ، ظهر سيناترا وفيتزجيرالد معًا في برامج تلفزيونية مختلفة. الآن ، كأيقونة لعروض الترفيه ، كانت واحدة من فناني الأداء الذين دعاهم فرانك سيناترا للمشاركة في حفل تنصيب الرئيس جون إف كينيدي # 8217s 1961 (شادويك ، 2007).

كان أكثر ما كان مثمرًا بالنسبة لفيتزجيرالد هو التعاون مع موسيقيين مثل بيل كيني ومجموعته الصوتية The Ink Spots و Louis Armstrong وعازف الجيتار Joe Pass و Count Basie و Duke Ellington. لا شك أن إيلا فيتزجيرالد قد أثرت في جميع الأجيال اللاحقة من موسيقيي الجاز ، ومن المستحيل المبالغة في تقدير أثر تراثها الفني. المفضلة لها الشهيرة "Dream a Little Dream of Me" و "Summertime" و "Mack The Knife" و "Black Coffee" و "Sunshine of Your Love" و "Cry Me a River" و "Someone to Watch Over Me" أغاني عشاق الجاز في جميع أنحاء العالم.

وفر وقتك لشيء لطيف! لذلك ، لا تنتظر أكثر من ذلك للقيام بمهام الكتابة المملة. احصل على مساعدتنا الأكاديمية المهنية عبر الإنترنت على مدار الساعة طوال أيام الأسبوع.

أولئك الذين كانوا محظوظين بما يكفي لمشاهدة عرض حي للشاب فيتزجيرالد يتذكرون كيف ازدهرت هذه الفتاة الخجولة فجأة على المسرح ، وكيف بدأت عيناها تتألق وصوتها أذهل القاعة بملاحظة. أثارت قوة صوتها إعجاب الجميع - أخبر الجمهور المتأثر بعد ذلك أنه حتى النظارات الكريستالية انفجرت أثناء عروضها الحية. تم وصف صوت Ella Fitzgerald & # 8217s بأنه يبدو وكأنه آلة أكثر من أي فأر آخر في هذا القرن (Nagueyalty ، 2001).

بمرور الوقت ، أصبح المغني عبقريًا في & # 8220scat & # 8221 - تقنية خاصة ، يقوم فيها الشخص بتقليد صوت الآلة. على سبيل المثال ، فعلت ذلك في أغنية "Lemon Drop" - صوت فيتزجيرالد كان & # 8220competing & # 8221 و & # 8220talking & # 8221 على قدم المساواة مع الآلات الأخرى في الأوركسترا.

السنوات الأخيرة من الحياة

تدهور صوت المغني في منتصف السبعينيات. توقفت تمامًا تقريبًا عن الأداء والتسجيل بدءًا من عام 1991. وفي عام 1993 ، قدمت حفلة موسيقية أخيرة في سان فرانسيسكو. كانت إيلا فيتزجيرالد مريضة جدًا في سنواتها الأخيرة. بتر الأطباء ساقيها بسبب مرض السكري. أمضت السنوات الأخيرة من حياتها في بيفرلي هيلز في منزلها. في منتصف يونيو من عام 1996 ، توفي المغني.

الحياة الشخصية

تزوجت إيلا فيتزجيرالد إيلا لأول مرة عام 1941 بيني كارنيجي. بعد عامين ، انفجر الزواج. في المرة الثانية التي تزوجت فيها في عام 1947. هذه المرة ، أصبح عازف القيثارة والمغني راي براون زوجها. عاشا معًا حتى عام 1953 ، لكن الحياة الأسرية أعاقت حياتها المهنية ، وكان هذا سبب طلاقهما. على الرغم من انقطاع العلاقات الأسرية بين إيلا وراي ، إلا أن تعاونهما الموسيقي لم يتوقف. بالإضافة إلى ذلك ، ربط ابن أخت إيلا & # 8217s الذي تبناه الزوجان الزوجين السابقين. عندما كبر الولد ، قرر ، مثل والديه بالتبني ، ربط حياته بالموسيقى.

في عام 1957 ، كتبت الصحافة عن حفل زفاف إيلا فيتزجيرالد وثور لارسن. ظلت هذه المعلومات على مستوى الشائعات ، لأن لارسن تحول إلى المحتال. بعد وفاتها ، أصبح من الواضح أن فيتزجيرالد أبقت حياتها الخاصة في طي الكتمان. ابتعدت عن المقابلات والأسئلة الشخصية ، ولم تسمح لها إلا بصوتها والموسيقى بالتحدث (Nagueyalty ، 2001).

إيلا فيتزجيرالد وجاز

على مدى عقود ، حاولت السلطات حظر موسيقى الجاز وإسكاتها وتجاهلها ، لكن قوة الموسيقى كانت أقوى من كل العقائد. بحلول القرن الحادي والعشرين ، حقق الجاز واحدة من أعلى النقاط في تطوره ولم يكن ينوي إبطاء وتيرته. الجاز هو أكثر بكثير من مجرد موسيقى - فهو يجسد أيضًا الشكل والمظهر والمزاج (Margena ، 2014).

السمات الرئيسية لموسيقى الجاز هي الارتجال وحرية الإيقاع ، فضلاً عن ألحان التنفس الحر. يجب أن يكون موسيقيو الجاز قادرين على الارتجال بشكل جماعي أو الأداء الفردي على خلفية المرافقة. يعتقد موسيقيو الجاز أنه إذا ارتجف القلب وتوقف عندما تسمع إيقاعات البيانو للأصابع الهاربة من مكان ما في عمق المشهد ، وأن توهج ساكس من أشعة الأضواء يكون مرئيًا في العين ، إذا أمضيت أمسية في استرخاء و جو ممتع هو ما يبحث عنه الشخص ، ثم الجاز هو الموسيقى التي يحتاجها.

نشأت موسيقى الجاز من مزيج من الثقافات الموسيقية الأوروبية والأفريقية ظهرت بعد اكتشاف الأوروبيين لأمريكا. تم نقل الثقافة الأفريقية في مواجهة العبيد السود من الساحل الغربي لإفريقيا إلى أمريكا. لقد جلب الارتجال والبلاستيك والإيقاع إلى موسيقى الجاز ، بينما جلب الأوروبيون اللحن والتناغم في الأصوات بالإضافة إلى المعايير الثانوية والرئيسية.

لم تتلق إيلا فيتزجيرالد أي تدريب موسيقي ، ولم تزور دروس الغناء ولم تكن بحاجة إلى الإحماء قبل العروض. كان لديها ميزو سوبرانو ، لكنها كانت تستطيع الغناء فوقها وتحتها. كان نطاق صوتها ثلاثة أوكتافات ، من D مسطح للأوكتاف الصغير إلى D-flat من الأوكتاف الثالث. من الناحية الفنية ، كان لديها حاسة إيقاعية لا تشوبها شائبة ومتطورة ، ونغمة لا تشوبها شائبة ، وحساسية متناسقة غير عادية (Nagueyalty ، 2001).

اتفق النقاد الموسيقيون على أنه على عكس العديد من المطربين المشهورين الآخرين ، تمتلك إيلا فيتزجيرالد صوتًا فريدًا وقيِّمًا حقًا ، يمكن وصف صوته بأنه الأجمل والأمثل بين أولئك الذين سمعوا على الإطلاق. كان لفيتزجيرالد نطاق صوتي أكبر من معظم مطربي الأوبرا. كان الكثير منهم ، بما في ذلك ديتريش فيشر ديسكاو ، من المعجبين بعملها. عاشت إيلا فيتزجيرالد حرفيًا على اللحن ، أخذت كل ملاحظة دون عناء أو صعوبة.

أفضل طريقة لمعرفة كيفية كتابة مقالات جيدة هي الحصول على عينة من مقال من خبراء أكفاء عبر الإنترنت.
يمكننا أن نقدم لك أمثلة المقالة التي تحتاجها للتعلم في المستقبل.

أمثلة مجانية للمقال هنا.

وفقًا لفيتزجيرالد ، لم يكن من السهل التحدث أمام حشود كبيرة من الناس. كانت متواضعة وخجولة للغاية ، ولم تحافظ على علاقة حتى مع الموسيقيين الذين عملت معهم بنجاح ، ولم تلتق بهم إلا أثناء التسجيلات والحفلات الموسيقية.

ساعدت إيلا فيتزجيرالد بنشاط الجمعيات الخيرية مثل جمعية القلب الأمريكية والمركز الطبي الوطني & # 8220City of Hope & # 8221. في عام 1993 ، أسست المؤسسة الخيرية التي تحمل اسمها ، والتي تتعامل مع التعليم ، وتساعد الموسيقيين الشباب ، بالإضافة إلى أبحاث مرض السكري ورعاية المرضى. بالإضافة إلى ذلك ، يشارك الصندوق في العديد من الحملات التي يُطلق على إحداها اسم A Book Just for Me! تقدم أكثر من مائة ألف كتاب جديد للأطفال من ذوي الدخل المحدود سنويًا. هذه الحقائق ، إلى جانب بساطتها الكلاسيكية وتواضعها الحقيقي ، جعلت من فيتزجيرالد فنانة فريدة من نوعها ، أسطورة حقيقية في عصرها (Nagueyalty ، 2001).

غنت إيلا فيتزجيرالد في الموسيقى. بدت وكأنها تنسى كل شيء أنها أصبحت مجرد جلطة من موسيقى الجاز. هي الوحيدة التي يمكنها بسهولة الارتجال بالصوت والنص ، وتطفو بحرية في الموسيقى ، ويمكنها بسهولة تغيير صوتها ، وتزين الألحان المعروفة بالفعل.

في الختام ، تجدر الإشارة إلى أن صوت إيما فيتزجيرالد يعتبر الأكثر أناقة في تاريخ موسيقى الجاز. كانت إيلا فيتزجيرالد مغنية غير مسبوقة كانت تتمتع بإخلاص تام. كان الناس دائمًا يفهمون ما تغنيه ، كل كلمة وكل صوت. كان العيب الوحيد في Jazz Queen (مع ذلك ، فضوليًا بعض الشيء) هو أن Ella كانت مبتهجة للغاية ولا يمكنها الغناء بشكل غنائي. حتى في تكوين "Love for Sale" ، بدت ممتعة وسعيدة. مهما كان الأمر ، عندما قام النقاد بتقييم حياتها المهنية ككل ، توصلوا إلى استنتاج مفاده أن إيلا فيتزجيرالد كانت أعظم مغنية جاز.


قصة "إيلا ولويس" بعد 60 عامًا

كان عام 1956 عامًا محددًا للموسيقى الشعبية الأمريكية. تم ترسيخ أسس موسيقى الروك أند رول عندما أصدر إلفيس بريسلي ، الذي وقع حديثًا مع RCA Victor ، ألبومه الأول الذي يحمل نفس الاسم. وفعلت فرقة الروكابيلي الأكثر حوافًا جوني بورنيت والروك أند رول تريو الشيء نفسه. كانت إصدارات موسيقى الجاز لهذا العام مبدعة تمامًا: ساعدت أغنية "Chet Baker Sings" في إنشاء صوت أكثر سلاسة في الساحل الغربي ، وستجد فرقة The Miles Davis Quintet في النهاية أربعة ألبومات كاملة الطول تبلغ قيمتها مادة صلبة تم تسجيلها خلال جلستين لمدة يوم واحد فقط. كان هناك سحر قادم من كل ركن من أركان التعبير الموسيقي & # 8212 Glenn Gould ، Sonny Rollins ، The Jazz Messengers ، Fats Domino & # 8212 لكن ألبوم واحد ، صدر في أكتوبر من ذلك العام ، كان ثورة هادئة خاصة به.

غلاف الألبوم عبارة عن صورة لشخصين سوداوين في منتصف العمر جالسين على كرسيين قابلين للطي. المرأة في أواخر الثلاثينيات من عمرها والرجل في منتصف الخمسينيات من عمره. إنها ترتدي ثوبًا منزليًا مطبوعًا عاديًا وتعبيرًا ساخرًا عن جوارب الرجل البيضاء ملفوفة عند الكاحلين. يوجد بوق على حجره ، يدعم ذراعيه المطويتين. لا توجد معلومات مكتوبة على الغلاف بخلاف اسم شركة التسجيلات: "Verve" ، كما تقول. "سجل بانورامي حقيقي عالي الدقة." يوجد على ظهر الألبوم عنوان الألبوم: "Ella and Louis".

أول تعاون من بين ثلاثة تعاونات ناجحة بين إيلا فيتزجيرالد ولويس أرمسترونج ، "إيلا ولويس" يكاد يكون مثاليًا. إنها واحدة من تلك الأعمال الفنية & # 8212 ولا تأتي كثيرًا & # 8212 التي يبدو أنها كانت موجودة دائمًا. يضم اثنين من أعظم الفنانين الذين أنتجهم القرن: أرمسترونج ، مبتكر وسفير موسيقى الجاز ، وفيتزجيرالد ، مغنيها الأكثر موهبة. تم إنتاج الألبوم من قبل رجل مسؤول بمفرده تقريبًا عن إدخال موسيقى الجاز إلى عالم الاحترام وإلغاء الفصل بين جمهورها ، وهو الذي أسس العلامة التي أصدرت الألبوم ، وجمع فريقًا من الموسيقيين من جميع النجوم الذين جعلوه رائعًا للغاية. ساعدت "Ella and Louis" في إعادة إحياء الاهتمام بما أصبح يعرف باسم The Great American Songbook. على الرغم من أنه شيء لا يمكن إلا للثقافة الأمريكية إنتاجه ، إلا أن "Ella and Louis" كان أيضًا شيئًا عمل جزء كبير من المجتمع الأمريكي بجد لمنعه.

بدأت مع نورمان جرانز ، المنتج والمروج ، وبحلول عام 1955 ، أصبحت مديرة إيلا فيتزجيرالد. قال غرانز لكاتب سيرته الذاتية تاد هيرشورن: "أي كتاب عن حياتي سيبدأ بفلسفتي الأساسية في محاربة التحيز العنصري. لقد أحببت موسيقى الجاز ، وكانت موسيقى الجاز هي طريقتي في القيام بذلك ". استفاد جرانز من سمعة فيتزجيرالد التي يتباهى بها بالفعل لتأمين المزيد من الحفلات المرموقة والأعلى أجورًا. بمجرد تحقيق ذلك ، استفاد من شعبيتها لتقسيم الأماكن المنفصلة: إذا كنت تريد Ella ، فقد دمجت جمهورك.

كانت فلسفة جرانز بسيطة: فقد اعتبر العديد من عظماء موسيقى الجاز فنانين من الطراز العالمي ، واعتقد أنه يجب دفع أجرهم على هذا النحو. وفقًا لذلك ، في عام 1944 ، أسس موسيقى الجاز في Philharmonic في لوس أنجلوس ، حيث أحضر جلسة ازدحام ملهى ليلي إلى مكان الحفلة الموسيقية. كان العرض عبارة عن عملية بيع ، وكان التسجيل المباشر هو الأكثر مبيعًا. ستشمل جولات JATP اللاحقة أكبر الأسماء في موسيقى الجاز.

لم يكن الأمر سهلا أبدا. ذات مرة ، في حفل JATP في هيوستن ، تكساس ، ألقى جرانز القبض على نائب ضابط افترض غرانز أنه كان يزرع المخدرات في مرحاض غرفة ملابس فيتزجيرالد. عند مواجهته ، وضع الشرطي بندقيته في بطن غرانز قائلاً ، "يجب أن أطلق النار عليك." ضغط غرانز بقوة ضد قسم شرطة هيوستن ، مما أدى إلى إسقاط القضية.

بالتزامن مع توليه منصب مدير Ella Fitzgerald ، أعلن Granz عن تشكيل Verve Records. قال: "كنت مهتمًا بكيفية تعزيز مكانة إيلا ، لجعلها مغنية تتمتع بأكثر من مجرد عبادة متابعين بين عشاق موسيقى الجاز". "لذا اقترحت على إيلا أن ألبوم Verve الأول لن يكون مشروعًا لموسيقى الجاز ، بل كتاب أغاني لأعمال كول بورتر. لقد تصورت لها القيام بالكثير من الملحنين. كانت الحيلة هي تغيير الدعم بدرجة كافية بحيث تكون هناك إشارات لموسيقى الجاز هنا وهناك ".

تذكر غرانز: "عندما سجلت إيلا ، كنت دائمًا أضعها في المقدمة ، وليس مزيجًا. والسبب أنني بصراحة لم أهتم بما حدث للموسيقى. كان هناك لدعمها. لقد أخبرني بعض الموصلات أنه في الشريط 23 ، ضرب عازف البوق نغمة خاطئة. حسنًا ، لا أهتم. لم أكن أصنع سجلات مثالية. إذا خرجوا بشكل مثالي ، فلا بأس. لكنني أردت أن أسجل تسجيلات تبدو فيها إيلا أفضل ". باع ألبوم Verve الأول "Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Songbook" 100000 نسخة في الشهر الأول.

إيلا فيتزجيرالد ونورمان جرانز. صورة عبر كلمة الجاز.

في 15 أغسطس 1956 ، أصبح أداء JATP في Hollywood Bowl الحدث الأكثر حضورًا في تاريخ المكان على الرغم من أنه قبل أحد عشر عامًا ، أخبر Granz أنهم لن يستضيفوا أبدًا أي حدث مع كلمة "jazz" في العنوان. شارك في البرنامج لويس أرمسترونج وهز أول ستارز ، وإيلا فيتزجيرالد ، وآرت تاتوم ، وأوسكار بيترسون & # 8212 ، عازف البيانو الصاعد الذي أحضره جرانز إلى الولايات المتحدة من موطنه كندا.

في اليوم التالي ، التقى فيتزجيرالد وأرمسترونغ في استوديوهات الكابيتول الجديدة في هوليوود لحضور جلسة تسجيل. قال غرانز لاحقًا: "كانت فكرتي هي تسجيل الاثنين قدر المستطاع ، لأن لدي كل أنواع الأفكار لاستخدام Louie مع Ella". كانت الفرقة الداعمة الموهوبة هي أوسكار بيترسون الرباعية ، مع راي براون على الباس ، وهرب إليس على الجيتار ، وبادي ريتش على الطبول. المنتج ، 11 أغنية تم تسجيلها في يوم واحد فقط ، سيصبح "Ella and Louis".

بالنظر إلى كل قوة النيران الموسيقية المعنية ، فهي مجموعة أقل من قيمتها الحقيقية. معظم الأغاني عبارة عن downtempo ، يرتكز عليها توقيت ونغمة عازف الجيتار راي براون. يتم مزج الأصوات جيدًا في المقدمة ، كما هو الحال في أي سجل موسيقى البوب. أنتج جرانز ، لكن أرمسترونغ كان له الكلمة المطلقة في الأغاني والمفاتيح. تم استخلاص المواد في الغالب من الألحان الموسيقية ومسرحيات فريد أستير الموسيقية من فترة الكساد الكبير ، والتي كتبها أساتذة مثل جورج وإيرا غيرشوين وإيرفينغ برلين وهوجي كارمايكل. قائمة الأغاني هي كتالوج لبعض أقوى الألحان على الإطلاق.

فيتزجيرالد تتربع على قمة مستواها كمغنية في "Ella and Louis". أسلوبها وطريقة نطقها ممتازان. إنها الريح تحت ورقة الخريف المتساقطة على "ضوء القمر في فيرمونت" ، على الرغم من القصائد الغنائية غير المتناغمة وأحيانًا غير المألوفة (لسبب ما ، كل بيت هو الهايكو). إنها تقوم ببعض القفزات الارتجالية المذهلة & # 8212 لا تتعارض أبدًا مع اللحن & # 8212 ولكنها تهبط دائمًا على قدميها.

أرمسترونغ هو شريكها المميز. بوقه تصريحي أكثر من أي وقت مضى. على الرغم من أن التجوال المستمر بدأ يؤتي ثماره ، إلا أن ملاحظته الفاشلة في بعض الأحيان تبدو وكأنها حماسة. لم ينس أبدًا قول معلمه "بابا" جو أوليفر: "احصل على زمام المبادرة وتلتزم بها: معظم المعزوفات المنفردة لأرمسترونغ في أغنية "Ella and Louis" هي تلخيص لحن الأغنية ، على الرغم من تسليم الفرقة النحاسية من الصف الثاني. تناغمه ، مثل غنائه الغنائي حول غناء إيلا ، غريبة ومحببة. ووفقًا لجرانز ، فإن أرمسترونج "لم يتنازل أبدًا عن المواد. لقد فعل ما فعله ، وكان هذا هو الشيء الذي كنت أحاول التقاطه. يمكنك سماع تنفسه أو تنهده ، أو بدلاً من الكلمة ، كان يخرج بصوت. لكن بالنسبة لي هذه هي جودته ".

قبل ثلاثين عامًا ، قام أرمسترونغ بالتسجيل مع The Hot Five في شيكاغو ، بقطع الأصوات من خلال الصراخ في بوق تسجيل صوتي. في أغنية Ella and Louis ، يمكنك سماع اهتزازه الواسع يتحول إلى أنفاس بلغم ، أو تنخفض نغمته فجأة إلى باريتون منخفض ، كما لو كان الميكروفون موضوعًا على قلبه. إنها علاقة حميمة تصبح أكثر قيمة من خلال النقص.

كان طريق لويس أرمسترونج للقبول الثقافي طويلًا. في عام 1932 ، وهو العام الذي تم فيه تأليف أغنية "Ella and Louis" "April in Paris" ، ظهر Armstrong في الفيلم القصير "A Rhapsody in Black and Blue" مرتديًا جلد النمر ، كموسيقي البلاط في مشهد مليء بالفقاعات يُدعى جازلانديا. لعبه مذهل مثل الغرور العنصري للفيلم. يغني: "أوه ، قطرة الشوكولاتة ، هذا أنا":

"لأن شعري مجعد

فقط لأن أسناني لؤلؤية

فقط لأنني دائما أرتدي ابتسامة

أحب أن أرتدي أحدث طراز

فقط لأنني سعيد لأنني أعيش

أوه ، أنا أتقبل كل المشاكل بابتسامة

فقط لأن لون لوني

ربما يجعلني مختلفا

هذا هو السبب في أنهم يدعونني "شاين"

في العام السابق ، 1931 ، ألقت شرطة ممفيس القبض على أرمسترونغ لجلوسه بجانب امرأة بيضاء في حافلة ، على الرغم من أنها كانت زوجة مدير أعماله.

في عام 1956 ، قاطع أرمسترونج علانية مسقط رأسه نيو أورليانز ، عندما حظرت الفرق الموسيقية المدمجة. لن يعود ليؤدي هناك إلا بعد أن ألغى قانون الحقوق المدنية القانون في عام 1964. في عام 1957 ، كان هو وجمهوره المدمجين هدفًا لمحاولة تفجير في نوكسفيل بولاية تينيسي.

بقلم "إيلا ولويس" ، كان أرمسترونغ سفير موسيقى الجاز المعترف به والمحبوب دوليًا ، والذي لم يفقد أبدًا سعادته بالوصف الوظيفي. قالت إيلا عنه: "كما تعلم ، لم يبد أبدًا أننا نسجل حقًا ، لأنه دائمًا ما يكون سعيدًا جدًا".

"لقد جاء وكأنه لا شيء بالنسبة له & # 8212 فقط سأحصل على كرة. وكنت دائمًا أفسد لأنني [كنت] مفتونًا جدًا بمشاهدته لدرجة أنني أحيانًا ما كنت سأحضر في الوقت المحدد لأغنيتي لأنه كان يمر بالحركة بأكملها & # 8212 & # 8216 يغنيها ، إيلا! & # 8217 & # 8212 وسيتحدث ويتحدث ويطلق النكات أثناء حديثه ولا تعرف ما إذا كان يجب عليك الغناء أو الضحك ، ولكن هذا هو نوع الرجل الذي كان ".

روس جارسيا ، الذي أجرى الترتيبات للألبوم الثالث للأزواج "Porgy and Bess" ، يتذكر الأشياء بشكل مختلف قليلاً. قال غارسيا ذات مرة ضاحكًا: "لقد أزعجها لويس قليلاً". “When she was singing a beautiful passage, he’d come in with his growling. She’d shoot him a sharp look and go on. It would throw her for a second. But it came off beautifully. Some people call that album ‘Whipped Cream and Sandpaper.'”

Some truly wonderful music was released in 1956. In retrospect, it’s inevitable that talented white boys like Elvis Presley or Johnny Burnette would want to explore black idioms — they could do so, after all, with some grumbling but no censure. It makes sense that jazz pioneers like Art Blakey and Miles Davis and John Coltrane would push the boundaries of the form, but Louis Armstrong had been there first. It was his trumpet playing in the 1920s with the Hot Five that fixed the idea in the public consciousness of an improvisational lead instrument in a small band setting. All the rest, although wondrous, was commentary.

It was perhaps more of a cultural leap, in the middle of that tumultuous century, that two black performers could be considered the best interpreters of white show tunes, and that the extemporaneous heart of jazz could elevate the whole to iconic status, desegregating American popular culture in just eleven songs.

Tom Maxwell is a writer and musician. He likes how one informs the other.


Ella Fitzgerald: Breaking down racial barriers with her voice

In the Archives Center, jazz always seems to be a topic of discussion, whether it be a researcher looking for the Duke Ellington Collection or processing negatives for the Duncan P. Schiedt Photograph Collection. We are constantly pulling, researching, processing, and scanning different jazz-related sheet music, photos, correspondence, and other documents. All the jazz research compelled me to dig deeper into the life of my favorite jazz musician, Ella Fitzgerald.

Among the documents and photos in the Archives Center's collection of Ella Fitzgerald Papers, I found fascinating primary sources pointing at Fitzgerald's connections to the civil rights movement.


Ella Fitzgerald is and always will be remembered for her contributions to jazz and popular song. Her unique, velvety voice is one of the things that separated her from every other rising star of her time. Her voice made her legendary, elevating her to the ranks of jazz icons Duke Ellington and Louis Armstrong. Over her long career, her voice took her to many different venues, cities, and countries. It even took her to places that many African Americans dared not go in the late 1950s and 1960s, an era of racial segregation. Her undeniable talent, however, allowed her to open doors not only for herself, but for the many African American performers who followed her.

In April 1954 Fitzgerald signed a contract making Norm Granz her sole manager. Granz was an avid civil rights activist who fought hard to ensure equality for the musicians he managed, and he did this by fighting to keep their shows free of discrimination.

In October 1955 Granz met with a ticket seller in Houston prior to a Dizzy Gillespie and Ella Fitzgerald performance with the concert tour called Jazz at the Philharmonic (JATP). JATP was a series of concerts and recordings performed by some of the biggest jazz stars of the time and produced by Norman Granz. In Houston, he made sure to tell the ticket seller that this would be an integrated show, and, on October 7, he proceeded to take down the "Negro" and "White" labels from the bathroom doors. Houston had a history of being extremely conservative, so Granz's attempt to integrate the show was not well-received. Once the first show came to its close, police stormed into Fitzgerald's dressing room and arrested Fitzgerald, Gillespie, and other musicians. They were treated as criminals. And yet, once taken to the police station, Fitzgerald recalled still being asked by the police officer for her autograph.

This was not enough to stop Granz from continuing his mission. As Fitzgerald's manager, he wanted to give her as much equal opportunity as possible, and, despite some setbacks, he was met with much success.

It was difficult for venues to deny Fitzgerald on the basis of race when her talent was loved by so many and she could draw huge crowds. Of her fans, one of the most prominent was singer, actress, and icon Marilyn Monroe. She was such a big fan of Fitzgerald that she used her connections to help advance Fitzgerald's career and ultimately allow more people the opportunity to witness her performances.

In October 1957 Monroe made a call to the Mocambo nightclub in Los Angeles, on behalf of Fitzgerald. Monroe used her social status and popularity to make a deal with them. If they allowed Fitzgerald to perform, Monroe promised that she would take a front-row seat every night, and that is exactly what happened. Monroe's presence in the front row, night after night, would create powerful publicity for the club—a deal they found attractive. As a result, Fitzgerald became the first African American to perform at Mocambo, and it gave her career a big boost.


During her life, Fitzgerald was awarded the National Association for the Advancement of Colored People (NAACP) Equal Justice Award and the American Black Achievement Award, as well as many other honors that celebrated her talents and accomplishments both in the jazz world and in the civil rights movement. Fitzgerald was seen as an inspiration. Her drive pushed her career forward, and by using her talent and help from her friends, colleagues, and manager, she was able to break down seemingly impossible barriers.

Want to learn more about the American experience through the transformative power of jazz? The museum’s Smithsonian Jazz team strongly recommends you check out their website to explore our jazz oral history collection, get tickets to performances by the Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra, celebrate Jazz Appreciation Month, and more. Or sign up to receive a monthly jazz e-newsletter from the museum for regular reminders.

Rebecca Kuske completed an internship with the Archives Center at the National Museum of American History.


Ella Fitzgerald (1917-1996)

Ella Fitzgerald was a female jazz singer considered without equal at the height of the jazz era. Her voice had an amazing and vibrant range that allowed her to sing nearly every jazz style. Ella was also an accomplished composer and bandleader who performed into the 1990s.

Born in Newport News, Virginia on April 25, 1917, Ella grew up in Yonkers, New York in poverty. She developed a love of music from a young age and at 17 won an amateur contest at the Apollo Theater in Harlem with her rendition of “Judy” that earning her a week’s engagement at the prestigious entertainment venue. Additionally she was noticed by jazz drummer Chick Webb.

Ella Fitzgerald immediately joined Webb’s band and started performing at Harlem’s Savoy Ballroom. Her first national hit in 1938 was “A-Tisket, A-Tasket,” a jazz version of the nursery rhyme. After Webb’s death in 1939, Fitzgerald led the band for the next three years, a testament to her leadership and talent. In the 1940s Ella had developed a mastery of scatting, bop, and ballad. Her style was not as emotional as rival Billie Holiday’s, but she infused a vibrance and excitement into her music. Among her hits at the height of her popularity were “Lady Be Good,” “How High the Moon,” “Flying Home,” “Undecided,” and a collection of “Songbooks” with compositions from Duke Ellington, George Gershwin, Cole Porter, and others.

In 1943 Ella Fitzgerald became the youngest member of the American Society of Composers, Authors, and Publishers. She wrote several hits during the 1940s including “You Showed Me the Way,” recorded by Billie Holiday, and “Oh, but I Do,” recorded by Nat King Cole.

Ella Fitzgerald continued to perform into the 1980s. In 1991 she won her 13th Grammy award for “All That Jazz” and in was inducted into the National Woman’s Hall of Fame. Over the course of her career, Fitzgerald won thirteen Grammies, sold over 40 million records, performed for 58 years, and elevated jazz singing to new heights. She died in Beverly Hills, California in 1996.


Ella Fitzgerald - History

حقائق ممتعة

  • Ella was born in 1917. She grew up in Yonkers, New York in a busy, vibrant neighborhood. She liked to play baseball with the other kids, listen to music, and dance and sing.
  • Her stepfather, Joe, was a chauffeur and ditch digger. Her mother, Tempie, worked at a laundromat and catered food. To make a little money, Ella sometimes delivered money for gambling operations in the area.
  • Tempie died in 1932 after she was in a serious car accident. Ella was devastated. She went to live with her Aunt Virginia. Joe died of a heart attack not long after and Ella’s little sister Frances joined her.
  • Ella missed her mother terribly. She started skipping school and getting into trouble. Eventually she was arrested by the police and sent to reform school. The people who ran the school were very unkind and sometimes beat her.
  • When she was just 15 years old, she ran away from the school and lived on her own. She later said that this experience made her grateful for her singing success.
  • When she was 17, her name was pulled in a drawing at the Apollo Theater in New York. She got to perform one number for amateur night. She thought she would dance, but another group was so good at dancing that she decided to sing instead.
  • When it was her turn, she looked out at the audience nervously. People booed at her. She took a deep breath and started singing one of her favorite songs. The booing stopped and by the time she was done, the audience cheered and asked for one more song.
  • Benny Carter, a saxophonist, was there that night. He liked her voice and began introducing her to other people in the music business. Ella entered every talent show she could find. Chick Webb offered her a job singing with his band at a rate of $12.50 per week.
  • In 1931, Ella’s song, “A Tisket, A Tasket,” hit number one on the pop charts and sold over a million copies. Ella was on her way!
  • When Chick Webb died unexpectedly, the band changed its name to Ella Fitzgerald and Her Famous Band. Ella was the bandleader.
  • Ella married Ray Brown in 1946 and the couple adopted a son.
  • Ella’s career soared. She sold records, toured the country, and appeared on many television shows.
  • Ella made over 200 records during her life. She was one of the most loved singers of all time. Ronald Reagan gave her the National Medal of Arts. She won many other awards and recognitions.

كلمات

  1. Amateur: someone who is not a professional
  2. Chauffeur: someone who drives others for a profession

Frequently Asked Questions

سؤال:Did Ella have any other children?

إجابة:No. However, she was very interested in helping impoverished children and gave thousands of dollars to that cause. She also cared for Frances’s family after her death.


Ella Fitzgerald at 100

For listeners of several generations, Ella Fitzgerald was the first jazz singer we heard, and the first one we loved. Those who were born during the Great Depression and World War II literally grew up with Ella, hearing her first as a teenaged vocalist with Chick Webb’s orchestra, then—after Webb’s death—as a band leader, a solo artist, and an astounding scat singer. Baby Boomers knew her as “The First Lady of Song” who performed the very best songs of Cole Porter, Irving Berlin, and Harold Arlen. In addition, she appeared on many TV variety shows, where she sang with everyone from Duke Ellington to Joan Sutherland. Younger generations first saw her as a matronly figure whose creativity was still in top form, even when her voice failed her. For those who could not yet fathom the melodic distillations of Billie Holiday, the tough-and-tender attitude of Carmen McRae or the pyrotechnical improvisations of Betty Carter, Ella Fitzgerald was there, providing a sunny approach to jazz, and an easily accessible style. (In the William Gottlieb photo at left, notice Dizzy Gillespie‘s rapt attention! By the way, that’s her future husband Ray Brown right behind her the balding head in the foreground belonged to Timme Rosenkrantz.)

One of my favorite Fitzgerald tracks is her wonderful 1958 recording of “Blue Skies”. Originally recorded for “The Irving Berlin Song Book” but omitted from that set because the extended scat solo seemed out of place, the track was first issued on a Playboy Jazz All-Stars LP, and soon after on a Verve compilation album. The recording remained fairly obscure until the CD era, when it was included on several Verve anthologies, and was re-attached to the Berlin album. It is a brilliant example of Ella at her artistic peak. The opening scat cadenzas identify Fitzgerald instantly, and her clear diction and unerring pitch enriches the opening chorus. Harry Edison is there too, offering pungent commentary on muted trumpet. As the first chorus ends, listen to the saxophone figure in the background, and then marvel at how Fitzgerald picks up that riff and runs with it! (This was probably the most subtle aspect of her musical mimicry). As the solo progresses, she repeats ideas at different pitch levels to create flowing melodic lines and rhythmic impetus. With the help of Paul Weston’s fine arrangement, Fitzgerald builds her solo to a stunning climax. When she returns for the final half-chorus of melody, the kinetic energy continues unabated. We can be fairly sure that Fitzgerald improvised every bar of this solo: it was recorded in a marathon session along with 9 other tracks, and it is likely that Fitzgerald read the chart down for this single surviving take. In all probability, she didn’t know that she would have to scat a multi-chorus solo until she saw the music without any preparation, she simply went by her knowledge and instincts, and created a masterpiece in the process.

Like two of her esteemed contemporaries, Fred Astaire and Arturo Toscanini, Ella Fitzgerald was extremely self-critical. Carmen Bradford recalled a backstage talk when the usually nervous Fitzgerald confessed that her performances didn’t always go as well as she hoped (to which the incredulous Bradford replied, “Since when?”). Astaire was confident about his dancing ability, but modest about his talents as a singer. When Mel Tormé was preparing an LP tribute to Astaire, he phoned Astaire to ask for advice. Astaire couldn’t believe that anyone would ever consider making such an album! After a seemingly flawless performance, Toscanini could be surprisingly inconsolable, walking off the podium and muttering to himself all the way back to his dressing room. What were Fitzgerald, Astaire and Toscanini looking for in their performances that the cheering audiences did not sense? We may never know for sure, but it might be that each was looking for that ecstatic joy that occurs when the music takes on a life of its own, raising the emotional and spiritual content of the performance to a higher level. It is significant that Fitzgerald, Astaire and Toscanini were all willing to let the emotions loose, and to allow the music to develop and expand.

Fitzgerald found that ecstatic joy several times in her career, and it is a key element in her wild duet with Louis Armstrong on “Stompin’ at the Savoy”. It starts calmly enough, with Fitzgerald singing the tune in a gently swinging medium tempo. Then Louis Bellson kicks the band into a faster tempo for Fitzgerald’s scat solo. The tempo rises again for Armstrong’s solo, and soon after, things start to spin out of control. What starts as a scat duet becomes a chorus for Armstrong, who tries to develop an arching phrase on a couple of occasions before abandoning it. Fitzgerald rejoins the commotion, revealing her confusion with a repeated “What do we do”. The tempo continues to accelerate, and producer Norman Granz (with the encouragement of Lionel Hampton?) calls for the performance to continue. ال رصاصة الرحمة occurs when Armstrong makes a remark about Atlantic City, and immediately retracts it: “No, we’re not going to talk about that one!” The reference was to a then-recent concert when an escaped mental patient jumped on the stage and attacked Fitzgerald. Ella could have asked Granz to leave the track (and Armstrong’s remark) in the vault, but apparently Granz issued it without any argument from Ella. In an interview held many years later, Fitzgerald just shook her head with amazement that Armstrong made the reference at all. Apparently, she felt that it was all for the good of the music.

Thrust into a world of supremely talented musicians, Fitzgerald made friends with celebrities she had idolized from afar. She collected their autographs, and was genuinely surprised when those stars asked for her signature in return. She was praised in the mass media by Bing Crosby, Ira Gershwin, Frank Sinatra and Tony Bennett. In a magnanimous gesture, Marilyn Monroe gave Fitzgerald’s career a major push by encouraging the owner of Hollywood’s Tiffany Club to book Fitzgerald Monroe promised to come to Ella’s show every night, guaranteeing constant press coverage (Fitzgerald remembered this incident happening at another LA club, the Mocambo, but April VeVea’s extensively researched article هناproves that it was indeed the Tiffany Club). To show another side of Fitzgerald’s personality, vocalist Carol Sloane recently recalled a personal encounter:

Circa 1975: I am sitting beside Ella Fitzgerald, in the VIP section of a major European airport lounge, awaiting the announcement of our flight departure… I couldn’t resist the golden opportunity to ask: “Ella, is it possible, with your vast repertoire, you have a favorite song?” She replied without hesitation: “Oh yes”, and began to sing the beautiful verse that begins: “I have almost everything a human could desire.” She asked me if I knew it [it was Billy Strayhorn’s “Something to Live For”], and when I said I did, we began to sing the rest of the verse together. Just the two of us. In a quiet corner of a luxury space reserved for exclusive first-class passengers, I knew I was the most privileged of them all.

Fitzgerald had millions of loyal fans, and only a handful of detractors. Not surprisingly, most of the members of the latter group were music critics. In 1962, Nat Hentoff wrote a scathing review where he complained, a major jazz singer must swing, improvise imaginatively and phrase instrumentally. But a major jazz singer must also make each song reflect what she has lived and experienced. Musicianship, however skillful, is not enough. And Ella, technically brilliant as she is, is not emotionally open enough in her singing to merit a place in the first rank of jazz singers. In 1964, Martin Williams—in an otherwise complimentary review—stated that Ella Fitzgerald is not capable of tragedy. The arguments are specious at best: who says that every jazz singer must follow a specific set of criteria, and why is it necessary that a jazz singer takes on all ranges of emotion? Still, Fitzgerald probably revealed more emotion than Hentoff, Williams or anyone else realized. Ella guarded many details of her private life. It was only after her death that we learned that she had been homeless when she got her first break at the Apollo Theater amateur contest. She had severe neurosis over her lack of formal music education, her failed love life, and her general appearance. More often than not, she would push those uncomfortable feelings into the background. Listening to her recordings now, we can surmise the deeper meanings of her lyrics to “You Showed Me the Way” (certainly dedicated to Webb, who gave her a home and stardom) or the pain in her many versions of “Angel Eyes”. Ella probably read those notices by Hentoff and Williams (against Granz’ advice!) and may have decided to add even more of that emotional depth to her live performances. Listen to this stunning 1968 performance of “Summertime” as a potent example.

April 25, 2017 marks the 100th birthday of Ella Fitzgerald. The anniversary has prompted lots of media hype, plus numerous reissues and tributes. Universal Music, which currently owns all of Fitzgerald’s recordings for Decca and Verve, has a long list of planned reissues, including a new 6-LP edition of “The George and Ira Gershwin Song Book”, a 300-track digital download of her complete Decca singles, a forthcoming complete edition of Fitzgerald’s duets with Louis Armstrong, an album matching Fitzgerald’s vocals to new recordings by the London Symphony Orchestra, and a new 4-CD anthology, “Ella 100: 100 Songs for a Centennial”. At first glance, the song selection of “Ella 100” seems hopelessly flawed—no JATP performances, no personal ballads like “Angel Eyes” or “I Got it Bad”, no scat triumphs like “Blue Skies”, “How High the Moon”, or “Airmail Special”, no expansive song readings like “Bewitched, Bothered and Bewildered” or “Blues in the Night”. But while the selections are unusual, they still present a fairly well-balanced overview of Fitzgerald’s recorded work from 1936-1966 (However, the absence of any discographical information is inexcusable). Those who want to hear some of the above-cited tracks should seek out two earlier Verve compilations: the three-CD “First Lady of Song” and/or the 2-CD soundtrack to the “American Masters” documentary “Something to Live For” (While you can, be sure to pick up the DVD of that documentary. Directed by the late Charlotte Zwerin, it is an excellent study of Fitzgerald’s public and private personas.)

There has been a plethora of Ella tributes in the past few weeks. The streaming webcast of Jazz at Lincoln Center’s Ella celebration was a mixed bag. It featured several well-known vocalists, but only a few seemed able to capture Fitzgerald’s spirit. The young vocalist and tenor saxophonist Camille Thurman started the program with a stunning “Oh, Lady be Good” featuring a close approximation of Fitzgerald’s first scat chorus, followed by a spectacular scat solo of her own. Later in the program, Roberta Gambarini and Kenny Washington performed a vivacious reading of “Almost Like Being in Love” as a salute to the Armstrong/Fitzgerald duets, and shortly thereafter, a combo version of “I Was Doing All Right” featured delightful interplay between Diana Krall and Wynton Marsalis. At the end, Gambarini returned for a Fitzgerald classic based on a nursery rhyme—not “A-Tisket, A-Tasket” but the even more unlikely “Old MacDonald” (a piece that Ella recorded with Marty Paich in 1966). In the week before Fitzgerald’s birthday, Ann Hampton Callaway—who may be the closest spiritual cousin to Ella singing today— presented her tribute show at Birdland. While a handful of YouTube videos have emerged from the run, the best presentation of Callaway’s devotion to Fitzgerald may be her CD “To Ella with Love”, recorded just prior to Fitzgerald’s passing in 1996. Meanwhile on the West Coast, vocalist Staci Griesbach has created 100 YouTube videos featuring her cover versions of Fitzgerald classics (a concert with Griesbach performing several of these songs occurred at the E-Spot Lounge in Studio City, CA on April 29). The Grammy Museum has launched a new exhibit dedicated to Fitzgerald’s life and career, with Katie Thiroux serving as Musical Director. The Smithsonian Institute in Washington DC is also presenting a Fitzgerald salute, and in Georgetown, Blues Alley held the official Ella Fitzgerald competition for young vocalists (which was won by another JHO favorite, Alyssa Allgood).

It’s been said that Ella Fitzgerald didn’t realize just how good she was. Whether that assumption is true or not may never be known. I suspect that she knew more about music than she revealed to the public, and I’m sure that the adulation from her audiences and contemporaries had a positive effect on her inner emotions. There is no doubt that she would have been surprised with all of the attention stemming from this centennial celebration, but despite her protests that she wasn’t worthy, she would be gracious and supportive of these younger musicians. That’s entirely fitting: the love and passion that Ella Fitzgerald brought to jazz is now being returned one hundredfold.


Ella Fitzgerald: Just Why Is She So Important?

From the blues to bossa nova and calypsos to carols, she imbued all with her unique voice. Ella Fitzgerald will live forever.

Born on April 25, 1917, if not quite at the dawn of the recorded music era, then during its infancy, Ella Fitzgerald has done more than most singers to fill the world with beautiful music and spread the joy and the love of the Great American Song Book. But what is it that makes Ella so important? Or as Mel Tormé put it, “She was the best singer on the planet.”

Listen to the best of Ella Fitzgerald on Apple Music and Spotify.

Big Band beginnings

As a teenager she bunked off school, worked for the Mafia, and lived on the streets, so it is perhaps surprising that her purity of voice has beguiled audiences since she first recorded with Chick Webb’s Orchestra in 1935. Like so many singers from the era of the big bands, Ella’s job was to perform live for dancers at clubs and ballrooms and then to go into the studio to sing the pop songs of the day, whether they truly suited her voice, or not. As often as not these songs better suited the band than the singer.

It wasn’t until the summer of 1938 that Ella found real success and when she did it was with a 19th-century nursery rhyme that was brought up to date by Van Alexander who regularly sold arrangements to Chick Webb. “A-tisket A-tasket” hit the right note with record buyers and it made No.1 on the American hit parade. A year later Webb passed away from spinal tuberculosis and for the next few years, Ella kept his orchestra together, billed as Ella Fitzgerald and her Famous Orchestra.

However, it was a struggle to keep it going the band members were very demanding and Ella, barely in her twenties, found their demands difficult to rebut. In the summer of 1942 things came to something of a head when the American Musician’s Union (AFM) called a strike for all its members, which put an end to recording. Decca Records, Ella’s label, came to an agreement with the AFM in late September 1943 and instead of putting her back with her Orchestra, Decca teamed Ella with another of their prized recording assets, The Ink Spots. The result “Cow-Cow Boogie” made the لوحة Top 10. Later in 1944, the same pairing scored a No.1 with “Into Each Life Some Rain Must Fall” coupled with “I’m Making Believe.”

Having had this success Decca tried to replicate the formula with recordings with لويس أرمسترونغ, Louis Jordan, The Delta Rhythm Boys, and The Song Spinners and there were some modest hits. One of these was her last chart success of the decade, “Baby It’s Cold Outside” with Louis Jordan, from the Esther William’s 1949 film Neptune’s Daughter. The problem was, no one at Decca could work out what Ella should be singing solo.

A career sea-change

Ella at her live performances was increasingly embracing be-bop during these years, touring with Dizzy Gillespie’s band and while their gigs did good business at the box office, the music they made together was never going to sell a million records. In 1949 Ella made her first appearance at Jazz at the Philharmonic, which marked a sea change in her career. From this point on, Ella seemed to rise above the fray and to elevate herself to a musically higher plane.

As the 1950s rolled around, Ella’s appearances on the لوحة charts were infrequent, but this was by no means a reflection on the quality of her recordings. Songs like “I’ve Got a Crush on You” were stunning, pointing to the direction in which Ella was heading it and several other brilliant recordings from this period are available on the album, Pure Ella. The public liked them too, meaning that by 1954 she had sold over 20 million records, which put her up there with the most popular singers, black or white.

Meeting jazz’s biggest advocate

Norman Granz who founded Jazz at the Philharmonic and Clef Records was completely enamored by Ella, but couldn’t understand why Decca didn’t record her singing what he thought was the right material. Granz became Ella’s manager just prior to a JATP tour of Europe in 1954. Probably with some coercion from Granz, Decca allowed Ella to record with Ellis Larkins and the album they produced, Songs in a Mellow Mood is fabulous. The following year Ella recorded with an orchestra conducted by the 25-year-old Andre Previn and soon after with Benny Carter’s orchestra – songs like “It Might as Well Be Spring” and “I Can’t Get Started” (Previn)

“Between the Devil and The Deep Blue Sea” and “Ol’ Devil Moon” (Carter) were much more in keeping with the direction that Norman Granz wanted for Ella. Ella’s last session of her 21-year recording career for Decca was on August 5, 1955, she had moved on from being a “singles” artist, and needed to be presented in a way for which the long-playing record was ideally designed. يحب فرانك سيناترا, who had similar issues at Columbia Records a few years earlier, Ella went from being “The First Lady of Song” to “The Voice of Jazz” and it really was all thanks to Granz and Verve Records, the label he created for Ella.

Establishing the “Ella” songbook

On February 7 at Capitol Records studio in Los Angeles, the same studio in which Frank Sinatra recorded all his classic albums, Ella recorded ten songs that would be included on Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Song Book. It is essential listening – no self-respecting lover of music should live without this wonderful music. It was the start of the Song Book series of albums that helped define what a long-playing record should be like and at the same time established Ella as the greatest female vocalist of the last 100 years.

Dip into any one of her Song Books, pick any track at random and you will hear perfection. Everything from the arrangements, the musicians, and the songs themselves create the perfect blueprint for Ella’s voice. Ella was 38 years old when she recorded her first song book and her voice was honed to perfection. Whether she is singing a straightforward ballad or love song or something with more than a hint of jazz about it she purrs and swings. There can be no one who has heard these records and not been totally beguiled.

It was also in 1956 that Ella recorded again with لويس أرمسترونغ. Following a gig at the Hollywood Bowl the day before, they went to Capitol’s Hollywood studio to record Ella and Louis, arguably the greatest album of jazz duets ever. The following year they recorded Ella and Louis Again و Porgy and Bess the latter is one of the most beautiful recordings ever made.

It wasn’t until 1964 that Ella completed her song book cycle with the Johnny Mercer album. In between, there were numerous other albums with arrangers like, Russ Garcia, Paul, Weston, Quincy Jones, Frank DeVol, and Nelson Riddle all adding their shimmer and gloss to a career that was the kind that other singers aspire to.

Ella’s later career while not climbing to the dizzy heights of her decade with Verve Records still produced memorable highlights, as did her concert performances around the world. In 1980, Granz, who still managed Ella, came up with the idea that was almost a songbook, Ella Abraça Jobim her tribute to the brilliant Brazilian songwriter. She also returned to the Gershwin canon with her old friend, Andre Previn.

Leaving her final musical mark

In 1987 Ella did her third album with the brilliant guitarist, Joe Pass it was also the year she needed to have open-heart surgery. Two years after that she recorded her final studio album, appropriately entitled, All That Jazz. In 1992, she had both legs amputated below the knees because of complications arising from diabetes. In 1991, Ella who once said, “the only thing better than singing is more singing”, gave her final concert at New York’s Carnegie Hall.


Black Health History: Ella Fitzgerald

Ella Fitzgerald, also known as &ldquoFirst Lady of Song&rdquo and &ldquoLady Ella&rdquo, captured audiences everywhere with her ethereal voice and commanding vocal range. She was one of the originators of &ldquoscat singing&rdquo and a masterful musical improviser.

&ldquoI never knew how good our songs were,&rdquo songwriter Ira Gershwin once said, &ldquountil I heard Ella Fitzgerald sing them.&rdquo

Throughout her career, Fitzgerald led big bands and symphony orchestras with a versatile repertory that spanned show tunes, jazz arrangements, novelties, bossa nova, and even classical opera.

Despite her professional prowess, her health showed signs of weakness fairly early in her life. The culprit? داء السكري من النوع 2.

ربما يعجبك أيضا

Beginning in the 1970s, Fitzgerald began to have eyesight problems complicated by the disease, and in 1986 she had serious heart surgery. Despite the procedure, she made a triumphant return to the stage that next year.

Her triumphant spirit helped her push through even after both legs were amputated below the knee, continuing to perform regularly in the early 1990s.

Toward the end of her life, the jazz legend was confined to a wheelchair and spend most of her time in her Beverly Hills home. Like many others, she became a victim of a disease that has killed individuals from all walks of life.

What is type 2 diabetes?

Per the CDC, diabetes is the irregulation of insulin in the body. Insulin is a hormone made by your pancreas that acts like a key to let blood sugar into the cells in your body for use as energy.


شاهد الفيديو: Ella Fitzgerald - Mr. Paganini 1961